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Integrando la nueva sección Festivales en Foco, Santiago Festival Internacional de Cine será uno de los siete certámenes latinoamericanos que participarán en el importante encuentro fílmico internacional, cuya tercera edición se desarrollará en Buenos Aires entre el 2 y el 5 de diciembre. En dicho marco, que espera convocar a alrededor de 250 compradores de distintos países, además presentarán la película “Mapa para Conversar”, por la cual Constanza Fernández ganó el premio al mejor director en la Competencia de Cine Chileno en la séptima versión del evento santiaguino.

A lo largo de dos ediciones, Ventana Sur se ha convertido en un importante punto de encuentro y difusión internacional para el cine latinoamericano. Surgido de un acuerdo entre el Marché du Film del Festival de Cannes y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina, el evento ha logrado despertar un creciente interés en diversas latitudes, y en su tercera versión, que se realizará entre el viernes 2 y el lunes 5 de diciembre, sus organizadores esperan reunir a 250 compradores internacionales. Entre las novedades de este año destaca la nueva sección Festivales en Foco, que contará con representantes de siete de los principales certámenes fílmicos de la región, entre los cuales figura Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC.

Esta nueva sección fue creada para generar aún más oportunidades de negocio a las cinematografías de la región, y además de SANFIC estarán Icaro (Guatemala y Centro América), Lima (Perú), Mar del Plata (Argentina), Morelia (México) y Rio de Janeiro (Brasil), además de otro representante de Chile, el Festival de Valdivia. En el marco de esta iniciativa, además de servir como oportunidad de difusión a éstos, se solicitó al director de cada certamen invitado que escogieran una película de su respectivo país, entre las que hubieran participado en sus más recientes competencias oficiales; las cintas se exhibirán en carácter de estrenos de mercado, y serán presentados personalmente por los directores de cada festival antes de sus proyecciones a los asistentes a Ventana Sur.

En el caso de SANFIC, viajará a la capital argentina el fundador y director artístico del festival, Carlos Núñez, quien presentará la película seleccionada de entre las que participaron en la Competencia de Cine Chileno en la última edición: “Mapa para conversar”, ópera prima de Constanza Fernández, quien ganó el premio al mejor director por este trabajo.

Además de la nueva sección, Ventana Sur continuará con su premio Primer Corte a las películas aún no terminadas que estén buscando la posibilidad de mostrar sus primeros cortes a representantes del mercado, a lo que se sumará el Premio Copia 0. SANFIC ya tuvo representantes que viajaron a participar en la pasada edición del encuentro, pero sin dudas este año su presencia será mucho más destacada y al poder difundir una de las ganadoras de su reciente competencia, esto se convertirá en un nuevo e importante paso para el festival santiaguino, cuya octava edición se realizará entre el 17 y 25 de agosto de 2012.

Miles de personas de localidades del sur de Chile pudieron disfrutar de las películas que les llevó esta iniciativa del festival, que contó una vez más con el patrocinio de Endesa Chile. Las comunas beneficiadas fueron Coronel, Ralco y Neltume.

Como ya se está convirtiendo en tradición, una vez más SANFIC llevó el cine a los públicos que normalmente no pueden acceder a este medio de expresión artística. Endesa Chile y la Fundación CorpArtes, responsable del Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC, llevaron recientemente a tres comunas del sur de Chile, una selección de películas que incluyó títulos que en agosto pasado participaron en la séptima versión del certamen.

Así fue como 3.500 personas de las comunas de Coronel, Ralco y Neltume disfrutaron de la muestra gratuita que se realizó en Sanfic Móvil: un camión de última tecnología, equipado con 104 butacas, con sonido surround, sistema de proyección y reproducción 3D, control automático de luces de sala y efectos especiales y aire acondicionado.

El director ejecutivo de Sanfic, Marcelo Forni, se manifestó muy contento por el paso por regiones del festival, afirmando que esta iniciativa “permite difundir el mundo del cine y abrir espacios a mayor cultura”; por su parte, la gerente de Comunicación de Endesa Chile, Francisca Moya, destacó que esta iniciativa representa el compromiso que mantiene la compañía con las comunidades en las cuales está presente, como en este caso Coronel, Ralco y Neltume: “En Endesa Chile creemos que la educación es la mejor herramienta que le podemos entregar a las futuras generaciones, y la cultura, como por ejemplo, el cine, es también parte de dicho objetivo”, dijo.

Muy buena ha sido la respuesta del público para las exhibiciones de SANFIC Móvil, que con el apoyo de Endesa Chile, empresa del Grupo Enersis, está llevando películas a quienes habitualmente no tienen acceso al cine. La iniciativa, que permite acercar esta expresión artística a alrededor de 3.500 personas, es gratuita, partió este lunes 17 y se está desarrollando hasta este viernes 21, llegando hasta localidades del sur de Chile como Coronel, Ralco y Neltume.

No sólo los espectadores sureños han recibido con entusiasmo las funciones. Diversos medios de prensa locales han destacado esta apuesta de SANFIC por ampliar las audiencias mucho más allá de Santiago.

“Estamos muy agradecidos de empresas como Endesa Chile que, asumiendo su responsabilidad con las comunas de la Región del Bíobío, nos permiten traer la última tecnología en cine móvil a estas ciudades”, comentó el director ejecutivo de SANFIC, Marcelo Forni, mientras la gerente de Comunicación de Endesa Chile, Francisca Moya, ratificó la importancia que tiene para su empresa este tipo de iniciativas: “En Endesa Chile creemos que la educación es la mejor herramienta que podemos entregar a las futuras generaciones”, afirmó.

SANFIC Móvil se desarrolla a través de un camión equipado con la más moderna tecnología, el cual permite exhibir películas como una sala climatizada para 104 personas, incluyendo producciones en 3D.

La difusión entre los más diversos públicos, ampliando las audiencias, es uno de los objetivos principales de SANFIC. Y la labor que se realiza en regiones a través de SANFIC Móvil es una de las iniciativas más valiosas que se realizan en ese ámbito, en la que es fundamental el apoyo de Endesa Chile, empresa del Grupo Enersis, que permite llevar películas de nuestro festival a alrededor de 3.500 personas, absolutamente gratis.

Este año las exhibiciones se desarrollarán entre el lunes 17 y el viernes 21 en las localidades sureñas de Coronel, Ralco y Neltume. Hasta allá se desplazará el camión equipado con la más reciente tecnología de reproducción y proyección, en el que se proyectan películas como una verdadera sala VIP con capacidad para 104 personas. Como gran novedad en esta oportunidad se incorporarán producciones en 3D, que permitirán a los espectadores sureños conocer las nuevas tecnologías: la exitosa cinta animada Rio, de los mismos creadores de La Era del Hielo, y el cortometraje Big Bang, coproducción chileno-argentina que recrea un viaje en el tiempo y el espacio a bordo de una nave, permitiendo al público realizar una fascinante travesía desde el Big Bang hasta nuestros días.

Además de esos dos títulos en 3D, se mostrarán otros dos films: el largometraje danés El niño que quería ser un oso, y la más reciente película del realizador chileno Gonzalo Justiniano, ¿Alguien ha visto a Lupita?, coproducción entre Chile y México protagonizada por la popular cantante azteca Dulce María y el actor y animador chileno Cristián de la Fuente. La programación considera exhibiciones en colegios y para público en general, con horarios en la mañana y tarde.

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Competencia Internacional

Mejor Película: “La canción en mí”, dirigida por Florien Cossen. Alemania-Argentina

Mejor Director: Yulene Olaizola, por la película “Paraísos artificiales”. México.

Menciones especiales: “The ballad of Genesis and Lady Jaye” (Marie Losier), “Norberto apenas tarde” (Daniel Hendler) y “La espera” (Francisca Fuenzalida).

Competencia Cine Chileno

Mejor Película: “Ulises”, dirigida por Óscar Godoy.

Mejor Director: Constanza Fernández, por la película “Mapa para conversar”.

Mención especial: “La muerte de Pinochet” (Bettina Perut – Iván Osnovikoff).

Competencia Talento Nacional (cortometrajes)

Mejor Película “El elefante blanco”, de Felipe Egaña Kaulen.

Menciones especiales: “Memorias del viento” (Katherina Harder), “Titanes” (Edison Cájas).

Work in Progress

Ganadores: “Sentados frente al fuego” de Alejandro Fernández Almendros, “Joven y alocada” de Marialy Rivas y “Ulises Morales” de Víctor Cubillos.

Premio del Público: “Locas mujeres”, de María Elena Wood.

Después de 8 días de cine, la séptima edición de SANFIC comenzó a despedirse. En una gala realizada la noche del viernes en el Museo de Bellas Artes, animada por Álvaro Rudolphy y Catalina Pulido, y a la que asistieron buena parte de los invitados internacionales y nacionales, los anfitriones del festival, Catalina Saieh, presidenta del directorio SANFIC, Marcelo Forni, director ejecutivo de SANFIC, Carlos Núñez, director artístico, Gabriela Sandoval, directora de producción artística, y Jorge Tacla, director artístico adjunto, despidieron esta versión del festival y anunciaron a los ganadores de las competencias.

En la Competencia Internacional, el jurado compuesto por la programadora del festival de Sundance, Shari Frilot, el director chileno Gonzalo Justiniano, y la actriz francesa Dominique Sanda, otorgaron el premio a Mejor Película a “La canción en mí” (Alemania), mientras Yulene Olaizola ganó la Mejor Dirección por “Paraísos artificiales” (México). Además, recibieron una mención especial la estadounidense “The Ballad of Genesis and Lady Jaye”, la uruguaya “Norberto apenas tarde” y la chilena “La espera”.

En la Competencia de Cine Chileno, los miembros del jurado, José Luis Cienfuegos, director del festival de Gijón, el productor argentino Juan Pablo Gugliotta y el programador del festival de Nueva York, Richard Peña, determinaron como ganadora a la película “Ulises”, dirigida por Óscar Godoy, mientras Constanza Fernández recibió el premio a Mejor Director por su trabajo “Mapa para conversar”. El documental “La muerte de Pinochet”, en tanto, recibió una mención especial.

En la Competencia Talento Nacional, dedicada al cortometraje, el jurado compuesto por Laura Citarella, directora argentina, Roya Rastegar, programadora del festival de Tribeca, y el actor chileno Diego Ruiz, distinguieron al documental “El elefante blanco”, dirigido por Felipe Egaña. Además hubo menciones especiales para “Memorias del viento” y “Titanes”.

En tanto, en la categoría Work in Progress, donde se distinguen tres películas en su etapa de posproducción, el jurado compuesto por Cara Cusumano, programadora del festival de Tribeca, el director argentino Pablo Fendrik y productora norteamericana Kim Jose, premiaron las cintas “Sentados frente al fuego” de Alejandro Fernández Almendras, “Joven y alocada” de Marialy Rivas y “Ulises Morales” de Víctor Cubillos.

Además, el público de SANFIC7 tuvo la oportunidad de elegir su película preferida entre las dos competencias de largometraje, Internacional y Cine Chileno. El Premio del Público fue para el documental de María Elena Wood, “Locas Mujeres”, que reconstruye la relación entre Gabriela Mistral y Doris Dana.

Aprovechando que aún queda un día de festival, para quienes se las perdieron, hay una última oportunidad de ver las películas ganadoras en las dos competencias de largometrajes. “Ulises”, ganadora de la Competencia de Cine Chileno, será exhibida una vez más el sábado 27 a las 20 horas en el Cine Hoyts de La Reina, mientras ganadora de la Competencia Internacional, “La canción en mí”, tendrá su función especial a las 22:30.

Famosa por su despampanante belleza, aunque también ha demostrado ser una mujer inteligente y que sabe de lo que habla -“la belleza no me parece un obstáculo, pero no sirve de nada sin una cabeza que lo acompañe”, aclaró-, la última de las figuras especiales invitadas a nuestro festival tiene una opinión muy clara de lo que pretende como actriz y de los potenciales de nuestro cine continental.

Una conferencia de prensa en una de las salas Premium de Hoyts Parque Arauco sirvió como punto de encuentro para que la actriz pudiera hablar con los medios. Cepeda vino a presentar la película “Una hora más en Canarias” -“una comedia romántica, musical y con tonos de realismo mágico”-, coproducción española y colombiana dirigida por David Serrano, quien, en la opinión de Angie, “es un experto en comedia, le encanta el género”.

Proveniente del mundo de la televisión, Angie se dedica hoy principalmente al cine y, aunque no le cierra las puertas a las producciones televisivas, prefiere por lejos la pantalla grande. “Los tiempos del cine son distintos a los de la TV; los personajes son más variados y se puede profundizar más. Me siento afortunada porque hago lo que me gusta. Prefiero tomar riesgos y sentir que estoy contenta”. Sin embargo, tiene claras las exigencias del cine, donde, según ella, “menos es más. Hay que dosificar muy bien la actuación. En cine no puedes engañar a una persona que está ahí dos horas sin cortes comerciales”.

Su carrera la ha llevado a moverse principalmente entre Colombia y España, ya que prefiere seguir vinculada al cine latinoamericano y también al europeo. “Tuve la oportunidad de estar en Los Angeles y me di cuenta de que yo no calzaba con un lugar así, por lo que me fui a España”. Cree que es en el mundo iberoamericano donde se pueden hacer historias más interesantes, sobre todo por sus personajes. “En Europa y Latinoamérica los personajes femeninos son muy jugosos, y tienen mucho potencial”.

Angie tiene aún deseos y aspiraciones. Deja claros sus gustos por el cine -le gusta el trabajo de directores de renombre como Sam Mendes o Robert Altman- y reconoció su admiración por “La Nana”, film chileno dirigido por Sebastián Silva. “Es el tipo de películas que me gusta. Me encantan las películas en las que uno parece estar espiando”. Espero algún día poder trabajar en nuestro país -y que algún director o productor la contacte mientras está en SANFIC- y cuenta que le encantaría que la dirigiera Woody Allen. También sueña con actuar junto a Sean Penn y/o Robert De Niro. “Pero con ese elenco, dudo que sería una película de Woody Allen”, comentó con humor.

Este viernes 26 a las 11:00 horas, con la actividad gratuita y abierta a todo el público “Festivales Internacionales: Criterios y programación”, que contará con la participación de representantes de los festivales de Nueva York, Tribeca, Gijón, Sundance y SANFIC, se realizará este atractivo encuentro con el que se retoma la programación del Centro Gabriela Mistral, tras la suspensión de actividades el miércoles y jueves a raíz del paro y las movilizaciones callejeras. Por su parte, BF Huérfanos y Lastarria 90 también reanudan sus funciones.

Moderados por Carlos Núñez, fundador y director artístico de SANFIC, esta mesa redonda se efectuará en la Sala A1 del GAM, y tendrá como panelistas a prestigiosos programadores de algunos de los certámenes fílmicos más importantes del mundo, quienes además integran los jurados de SANFIC: Richard Peña del New York Film Festival, Shari Frilot de Sundance, José Luis Cienfuegos de Gijón y Cara Cusumano de Tribeca. En la ocasión expondrán sobre los criterios de selección y programación de sus respectivos festivales, con el fin de orientar a los realizadores y productores nacionales a la hora de elegir competencias y ventanas de exhibición en estos importantes encuentros.

El prestigioso actor estadounidense y la cineasta italiana estuvieron poco más de dos días en SANFIC7, pero eso les bastó para cautivar a todos a su paso, por el encanto y sencillez que mostraron. Ambos vinieron a presentar la última película de ella, “A Woman”, que tuvo su gala el pasado día lunes.

Desde un comienzo, Willem dejó en claro que, a pesar de su gran trayectoria y fama mundial, la estrella en esta ocasión era Giada, y que él sólo la acompaña. Dueña de un gran encanto y background cultural, no le costó mucho ponerse al nivel de la figura mundial que es su esposo. “Como espectadora, me gusta el rigor y el trabajo de las películas latinoamericanas. Se ve una necesidad de ir al punto, por lo que no se adorna con entretenimiento ni se fanfarrea”.

Como lo demostraron tanto en la conferencia de prensa el pasado lunes como en el concurrido encuentro con el público del martes, ambos tienen actitudes y opiniones bastante críticas sobre el Hollywood actual, sobre todo Dafoe, quien se ha hecho famoso por trabajar en esa industria. “Se hacen menos películas, pero más grandes, y se invierte más energía en venderlas que en hacerlas. En Estados Unidos hay grandes películas, pequeñas películas y nada en medio. Lo que es una lástima, porque es en ese espacio donde se sostienen los debates intelectuales”. Giada lo complementa diciendo que “las películas se parecen cada vez más a lo que se ve en la TV. No sé mucho sobre la industria, porque lo que yo hago no tiene que ver con la industria. Hice mi primera película con amigos, en mi casa. ‘A Woman’ fue hecha con muy poco dinero y tiempo”.

Giada proviene del video arte, y tiene sólo tres largometrajes, en los que ha intentado mantenerse fiel a las libertades que ella ve en su disciplina madre. “Para mí es la forma más libre de usar imágenes cinematográficas, porque no depende de la narrativa; es más psicológica. Haciendo largometrajes, tengo que hacer un gran esfuerzo para recordar que no quiero estar limitada, especialmente por la historia”. Por su lado, Willem, a pesar de ser más conocido por sus actuaciones en blockbusters como “Spiderman”, reconoce disfrutar más el trabajo en proyectos más audaces. “En muchos países la atención está puesta en la TV. Nunca he trabajado en televisión, sólo en teatro y cine, porque amo el lenguaje del cine. Puedes hacer muchas cosas que en TV no. En televisión no importa la actualidad de las temáticas ni la calidad de los guiones, siempre terminas haciendo algo para satisfacer a los auspiciadores. En Estados Unidos la situación no es la mejor, pero aún existe la posibilidad de hacer algo poético y personal que nos lleva a otro tipo de entendimiento”.

Dafoe es un actor conocido por sus roles de alto capacidad expresiva, gracias a su rostro. Se resiste a responder sobre cuál ha sido su personaje favorito, porque “no me gusta tener que poner a unos sobre otros. Sin embargo, hay papeles que fluyen más, y uno de ellos fue el de Bobby Peru (“Corazón Salvaje”, Davis Lynch). No hice nada; el diablo trabajó a través de mí”.

Compartió también que, para elegir los personajes que interpretará, confía más en la gente que en el material; “me gusta acercarme a gente que me estimula, en primer lugar, los directores”. También se refirió a ese mito que lo asocia con los villanos. “En grandes películas con estrenos de mayor alcance, funciono como el villano, porque hay menos riesgo. Afortunadamente, para mi interés artístico hay más posibilidades. Me gusta interpretar villanos, pero si quieres revisar mi filmografía, he hecho más personajes vinculados al ‘bueno’. Lo que me gusta de los personajes externos a los mainstream es que actúan más como nosotros lo hacemos”.

Por su lado, Giada, como joven directora, dio un par de consejos a otros noveles cineastas, como “partir pensando en pequeño, con los recursos a mano; sin plata, con amigos y familia”, recomienda ella, en castellano.

Aunque no adelantaron demasiado, también nos contaron algo sobre sus futuros proyectos: mientras Giada está preparando dos películas -ambas incluyen a Willem-, su esposo está en conversaciones con los productores chilenos Pablo y Juan de Dios Larraín -a quienes conoció a través de Abel Ferrara cuando éstos fueron productores de la nueva película del cineasta protagonizada por Dafoe-, para estudiar la posibilidad de hacer una película en nuestro país.

Se le comunica al público de SANFIC, que las funciones programadas para hoy en las sedes de Lastarria 90, GAM y BF Huérfanos, se suspenden debido al Paro Nacional, convocado para las jornadas de los días miércoles 24 y jueves 25. Esta medida es netamente por la seguridad de los espacios y los asistentes a estas salas.

Cualquier posible reprogramación, será comunicada posteriormente.

Estimados amigos:
Informamos que por motivo del paro nacional y movilizaciones convocadas para el día jueves 25 de agosto, el Festival ha decidido trasladar las actividades de SANFIC INDUSTRIA a otras sedes en los siguientes horarios:

Mesa: Estéticas y modos de producción del cine chileno –
SALA VIP 5° PISO CINE HOYTS LA REINA
16:30 hrs.

Charla: La transformación del cine en la era digital -
SALA VIP 5° PISO CINE HOYTS LA REINA
18:00 hrs.

Informamos además que la Consultoría Técnica Audiovisual se realizará en Rosario Norte #660.
Quienes hayan sido seleccionados pueden contactar a Vanja Munjin (vanjamunjin@sanfic.com) por cualquier inquietud.

Debido al paro nacional convocado para este miércoles 24 y las distintas movilizaciones que puedan generarse en el centro de Santiago, SANFIC anuncia que en conjunto con el Cine BF Huérfanos, se ha determinado suspender la función de la película Alemana “Soul Boy” programada para las 21:30.

En cuanto a la programación correspondiente al jueves 25, ésta podría sufrir modificaciones, por lo que estaremos informando en esta página y nuestras redes sociales de cualquier cambio o suspensión.

Con motivo del paro nacional convocado para este miércoles 24 y las distintas movilizaciones que puedan generarse en el centro de Santiago, SANFIC anuncia que en conjunto con el Centro Gabriela Mistral (GAM) y Lastarria 90 se ha determinado suspender las actividades y funciones programadas para la tarde en ambas sedes del festival, a contar de las 16:00 horas.

En cuanto a la programación correspondiente al jueves 25, ésta podría sufrir modificaciones, por lo que estaremos informando en esta página y nuestras redes sociales de cualquier cambio o suspensión.

Los realizadores de “La muerte de Pinochet”, “La canción en mí”, “La mujer de Iván”, “La espera” y “Población Obrera” responden nuestras preguntas sobre los títulos que se exhibirán en las próximas horas.

Competencia de Cine Chileno / LA MUERTE DE PINOCHET
Bettina Perut e Iván Osnovikoff, directores:

“Tenemos necesidad permanente de tirar el mantel”

En un momento en el que han resurgido las polémicas sociales derivadas de la Constitución de 1980, los autores de Un hombre aparte y Noticias revisan las significaciones del fallecimiento de uno de los personajes fundamentales de la historia reciente del país.

-Se ha comentado mucho sobre el estreno de “La muerte de Pinochet”. ¿Cómo se sienten con las expectativas que se han generado?
Es estimulante, pero también es un desafío. Por lo general nuestros trabajos, por su radicalidad formal y de punto de vista, son apreciados por públicos más específicos y sentimos que en este caso, gracias a la transversalidad del tema, tenemos la oportunidad de ampliar la zona de impacto. Y no es un detalle considerando que, en general, los temas políticos son tratados de manera estandarizada, tanto plástica como conceptualmente. Entonces el desafío consiste en lograr que la necesidad, sobre todo de las nuevas generaciones, de replantear las cosas, de generar nuevas lecturas sobre la realidad, se haga eco en nuestra película.

-¿De dónde surge la necesidad de hacer esta película?
De una casualidad. Estábamos grabando “Noticias”, cuando nos enteramos de la internación de Pinochet en el Hospital Militar, lo que nos permitió registrar todo el proceso de manera consistente, porque teníamos todo montado. No fue improvisado y eso se siente en el material. Por lo mismo, como un año después, tomamos la decisión de hacer una película específicamente sobre el asunto, porque las condiciones estaban dadas. Aunque también surge de nuestra necesidad permanente de tirar el mantel, de hacer trabajos en los que tomamos temas tradicionales y los ponemos cabeza abajo. “La Muerte de Pinochet” es una película antipolítica, con mucho humor, con personajes salidos del pueblo y no de la elite opinante a la que hemos escuchado diez mil veces decir lo mismo sobre los mismos temas.

-¿Qué les sucede a ustedes, como autores, cuando ven lo que está pasando hoy en la sociedad chilena, donde la figura de Augusto Pinochet sigue generando divisiones incluso después de su muerte?
Más allá de las divisiones y pasiones que genera Pinochet, y que van a subsistir por muchas décadas, nos parece que la efervescencia actual es muy estimulante. Y claro, Pinochet va a ser siempre tema obligado porque, para mal o para bien, nuestro actual sistema institucional se instaló bajo su dictadura. Entonces, que Pinochet siga siendo tema habla también de que en Chile se están poniendo en cuestión cosas que no pueden ser eternas, pero que después del regreso a la democracia se dejaron pasar como mal menor. Hoy hay menos miedo a poner en cuestión esas cosas, que antes eran tabú. Las nuevas generaciones no estuvieron sometidas a las políticas públicas del miedo, y por eso está pasando lo que está pasando.

-¿Qué reacción esperan lograr en el público?

Todo tipo de reacciones: carcajadas, pena, sorpresa, espanto, ternura, vergüenza, y un poco de susto. “La Muerte de Pinochet” es una montaña rusa. Y que para el estreno en salas vayan todos en masa a verla.

La muerte de Pinochet se exhibe este miércoles 24 a las 20:00 hrs., y el jueves 25 a las 18:00 hrs., en ambas ocasiones en la Sala 15 de Cine Hoyts La Reina.

Competencia Internacional
LA CANCIÓN EN MÍ (Alemania)
Florian Cossen, director

-Tú naciste en Israel y eres alemán, pero has vivido en distintos países. ¿Quizás eso te ayudó a comprender mejor a tu protagonista, Maria Falkenmayer, una extranjera que debe descubrir su propia verdad en un país extraño?
Quizás, sí.

-¿Cómo fue la experiencia de filmar en Buenos Aires, una ciudad tan diferente a la realidad alemana?
Genial. Prefiero sudar que tener frío. Y un cambio de realidad, es lo que busco como cineasta.

-La situación que cuenta la película es muy profunda y compleja, porque recuerda a historias reales que han sucedido en la realidad argentina. ¿Por qué te interesó contar esta historia?
Durante mi estadía en el 2006 en la Unversidad del Cine en Buenos Aires me llamó la atención, que aquellos chicos apropiados de los cuales leí, desde que son encontrados por las Abuelas de Plaza de Mayo, ya no eran bebés. Al contrario: ¡Tienen mi edad! Yo nací en el ’79, todos ellos a mitades/finales de los años 70. Es mi generación. Tengo hoy 32 años, somos adultos. Y de un momento a otro se tuvieron que dar cuenta, que su identidad, estaba basada sobre una gran mentira. Ahí encontré mi perspectiva. La misma perspectiva que ellos, al mismo tiempo – de afuera.

-Los personajes de Maria y su padre Anton son muy complejos psicológicamente, ¿qué aspectos te interesaba más desarrollar de sus personalidades, y cómo los trabajaste con los actores?
Me interesaban los vacíos que aparecen luego de que mentira y verdad, amor y odio, confianza y duda se enfrentan, se pelean y de forma muy existencial, dejan un gran vacío. Jessica Schwarz (en el rol de Maria, la hija) tuvo un acercamiento personal e instintivo, intentando sentir todo en comparación a una experiencia propia y parecida que ella tuvo. Michael Gwisdek (quien interpreta al padre, Anton) se acercó de una forma intelectual, preparándose metódicamente y con una estructura (comparada a un documento Excel), como reaccionaría, en un caso similar. Irónicamente, ambos eligieron un acercamiento parecido a su personaje.

La canción en mí se exhibe este miércoles 24 a las 20:15 y el jueves 25 a las 20:00, en ambas ocasiones en la Sala 3 de Cine Hoyts La Reina.

Competencia Cine Chileno
LA MUJER DE IVÁN
Francisca Silva, directora:

“¿Cómo responde la humanidad en una situación de cautiverio?”

Dos personas en una casa, solos, sin que la naturaleza de su relación quede realmente clara. Sólo sabemos que se trata de una especie de dominación, aunque incluso ésta es ambigua. Una serie de misterios sobre la naturaleza humana permanecen latentes en la obra de Francisca Silva.

-Tu película nace de una historia verídica, de un secuestro y cautiverio en Austria. ¿Cómo vinculas esa historia a nuestra realidad en Chile?
La película se inspiró en sus comienzos en las especulaciones periodísticas de la vida que compartieron Natascha Kampusch y Wolfang Priklopil durante ocho años en una casa en Vienna, ese fue el punto de partida de una investigación que duró alrededor de un año, y que consistió en investigar el tema del cautiverio a través de muchas historias, diarios de vida y ensayos, tanto de la realidad como de la ficción. Fueron fundamentales en este proceso también, las constantes conversaciones creativas con integrantes del equipo, donde juntos nos sumergíamos en este universo e íbamos tejiendo. Todo este trabajo dio finalmente origen a una nueva historia de cautiverio, en diálogo con las obras e historias que la inspiraron, pero con una mirada particular.

La mujer de Iván se vincula con todas aquellas realidades determinadas por un historial de dominación. En este sentido, podríamos decir que la historia de Iván y Natalia es sólo el blanco o el pretexto para hablar de una problemática socio cultural mayor: ¿Cómo responde la humanidad en una situación de cautiverio? ¿Cuánto tiempo puede resistir la dominación de alguien sobre otro?
En algún momento lo creado, lo educado se revela. El margen de ignorancia de lo sometido encuentra un espacio para su despertar, entonces el status se invierte. ¿Cómo se desenvuelve el amor en todo esto?

-¿Cómo manejaste el tema del erotismo en tu película, en un momento en que el tema de la pedofilia es muy recurrente?
El erotismo en esta película pareciera desenvolverse en el ámbito de la pedofilia, sin embargo, en estricto rigor, no es así. Los rasgos de personalidad de quiénes sienten excitación o placer sexual por los niños (de hasta 12 años), son muy diferentes a los del personaje de Iván, quién se caracteriza por ser autoritario, controlador y represor. Él es así, debido a una incapacidad de sentir confianza en el mundo y con las personas, y por lo tanto, de entregarse. Sin embargo, tiene las mismas necesidades que todos (o el general): amar, tener una pareja y crear una familia. Pero, como consecuencia de sus inhabilidades sociales, la única alternativa que encuentra para cumplir este sueño es tomar a una niña y formar “la mujer de sus sueños” moldeada y educada, bajo la visión, el criterio y las leyes de “su reino”, teniendo, el control total sobre su existencia (esa es su gran perversión). Así, el cumplirá el sueño de “estar con alguien para toda la vida”. Y esa persona que lo acompañará estará con él siendo niña, adolescente, adulta o vieja.

Bajo esta dinámica fantasiosa que erige Iván en la casa, el erotismo es manejado en la película como una herramienta concreta para obtener poder, por parte del personaje de Natalia. El erotismo es la vía para lograr un cambio en su fortuna. Por esta razón, el tema se trabajó totalmente despojado de una moralidad.

-El tema que abordas es delicado y complejo, ¿cómo desarrollaste con los actores la particular relación que se establece entre los dos protagonistas?
Si bien el tema es complejo y delicado, fue para todos un desafío apasionante entrar en esa zona de misterio (tan hermética) para tratar de ver lo que allí estaba aconteciendo y cómo se estaba manifestando la naturaleza humana en ese contexto. Observar una situación sin anteponer un prejuicio ni una moralidad, con la finalidad de abrir la mirada, rompiendo ese velo de juicios que te impide ir más allá y comprender (sin necesariamente estar de acuerdo o avalar) el actuar de los otros, de tu entorno social.

De esta manera, con María de los Ángeles García y Marcelo Alonso hicimos un gran trabajo de guión, leímos muchas veces el texto, los tres juntos, deteniéndonos en cada detalle, diálogo, escena. Marcelo es actor y también director teatral, un pensador de la puesta de escena que siempre estaba enriqueciendo las escenas con su visión. Sumergidos en este ambiente y haciendo un gran trabajo de imaginación y pensamiento, fuimos esclareciendo y delineando más finamente el interior de cada uno de los personajes.

Cuando comenzó el rodaje, ellos no sólo tenían la visión de su rol, sino también, del todo que estábamos contando, lo que permitió que durante las grabaciones surgieran nuevas propuestas; en ese sentido, María de los Ángeles García tiene un poder excepcional para improvisar y hacer surgir lo invisible. Era muy sorprendente mirarla, ver cómo le iba dando cuerpo a su personaje, cómo lo materializaba con gestualidad, movimiento, energía. El trabajo que cada uno realizaba, más el trabajo que hacían en conjunto, fue creando algo totalmente inesperado, una suerte de tercer personaje: la relación de ellos se reveló como un ente invisible pero poderoso dentro de la película.

La mujer de Iván se exhibe este miércoles 24 en la Sala 14 de Cine Hoyts La Reina, y se repite el jueves 24 en la Sala 4, en ambas ocasiones a las 20:30 hrs.

Competencia de Cine Chileno
POBLACIÓN OBRERA
Rodrigo Fernández, director:

“En Chile el valor de los terrenos es económico, sin considerar los aspectos inmateriales”

Uno de los edificios insignia del patrimonio arquitectónico de Valparaíso, pero que sin embargo se enfrenta al ingrato desalojo. Este retrato colectivo y coral nos muestra a una comunidad completa pero también a sus individuos, así como las desventuras que los llevarán a luchar por algo tan básico como su hogar.

-Hay más que un esfuerzo por rescatar un patrimonio material en tu película. ¿Cuál es el correlato entre lo que pasa con la infraestructura y lo que ocurre con la gente que la habita?
La película es por sobre todo un rescate del riquísimo patrimonio inmaterial del mundo popular de Valparaíso, anidado en los habitantes del emblemático edificio centenario e ícono de la vida porteña que lleva el nombre de este largometraje, y que albergó la primera experiencia de vivienda social de Chile. Es el retrato de una comunidad humana en demasía vital, hermanada con muchas realidades latinoamericanas. La circunstancia a partir de la cual se desencadena el documental es el hecho de que los pobladores y pobladoras debían desalojar dicha construcción por primera vez en su historia, con una tremenda tensión para sus vidas individuales y comunitaria. Así, a partir de tal suceso, que ellos mismos provocaron, surge la premisa básica para abordar este trabajo y que fue la consideración de que en dicha circunstancia los/as habitantes de la POBLACIÓN OBRERA tendrían toda su historia, emociones, recuerdos, vivencias, aspiraciones, deseos y frustraciones a flor de piel, por lo que estábamos frente a las condiciones propicias para armar un relato etnográfico, que se dispusiera a entrar en todos los matices de una historia colectiva a partir de los sentimientos y vivencias individuales.

Lo anterior, al mismo tiempo de la ocurrencia de un proceso de transformaciones materiales de su edificio conducido y súper vigilado por ellos mismos, que no se sabía en qué iba a terminar, ni cómo se iba a desarrollar. Con este objetivo primordial, donde los sucesos materiales se constituyen en un relato cronológico, que en términos de imagen contiene y da continuidad al relato principal, inmaterial, que el lenguaje audiovisual de este documental se encarga de imbricarlos de un modo que al fin de cuentas son uno, pues las imágenes y el tratamiento se abordaron con la idea de constituir al edificio en una construcción viva, con texturas, voces, sonidos, etc. otorgando sentido al relato de la materialidad, como recipiente de memoria y de los sucesos, donde pasado, presente y futuro, van más allá de esa concepción que divide la realidad entre lo material y lo inmaterial, para terminar constituyendo a la totalidad de los planos del relato en una unidad indivisible. Esta concepción me llevó a optar, al calor del seguimiento, por acotar el espacio de la película encerrándola en el edificio, como metáfora del cuerpo humano y colectivo, donde su transformación, es también la transformación de un modo de vida y de sentir, que, para bien o para mal, se va quedando atrás en nuestro país, a cambio de una modernización repleta de cemento, estructuras y reglamentaciones, que según los mismos pobladores debían asumir como un desafío que les permitiera superar una precariedad que había llegado a su punto más bajo, cuando uno de sus habitantes fue asesinado por otro. El desgarro de los habitantes es al mismo tiempo el desgarro del edificio. Necesitaban meter picota, o bisturí, por decirlo de un modo gráfico. Así, la nueva apariencia del edificio es también la imagen de la aspiración a una nueva imagen social y a un nuevo trato de convivencia. Al final, en lo personal, no te podría decir cuánto ganaron los habitantes de la población y cuanto perdieron, a pesar de que la película es casi una epopeya colectiva, donde el verdadero final es lo que está pasando ahora y que en el documental no se cuenta, porque esa realidad, entonces, queda en un terreno que se nos aleja porque como espectadores nos subimos arriba del vuelo de una gaviota o de un helicóptero, dejando todas las emociones y sucesos que nos invadieron durante los 97 minutos en la película, atrás, como un eco del tiempo en nuestra memoria personal e histórica.

-Hay cierto eco entre esta película y lo que hemos visto con la reconstrucción post-terremoto. ¿Qué te ocurre cuando ves lo que pasa en el país?
He seguido muy poco el proceso de reconstrucción post terremoto de nuestro país, pero sí me puedo referir a tu pregunta final, en el entendido de que te refieres a los procesos urbanos de Chile, donde el valor de las casas, de los barrios y de los terrenos es netamente económico desde su plusvalía, sin considerar los aspectos inmateriales que se puedan alojar o potenciar allí, ni los sentidos comunitarios de convivencia, indispensables de rescatar y preservar en un mundo que está perdiendo el sentido de la esencia de lo humano y de una felicidad sustentable, que se debieran expandir y profundizar en el tiempo para el bien y el goce de los pueblos. Así, en esta línea, todos los procesos de desarrollo, en particular los constructivos y urbanísticos, como me preguntas, pienso que se deben concebir, desarrollar y ejecutar con la participación y acuerdo de las propias personas que habitaran dichos espacios, esa es la forma como pienso que se debiera reconstruir lo que el terremoto y el maremoto destruyeron. En este punto, se me viene al recuerdo una experiencia de trabajo que tuve con una comunidad de areneros de Los Andes, a quienes el Estado “favoreció” con un programa para que mejoraran sus condiciones habitacionales, pero los funcionarios del programa no consideraron que ellos tenían caballos y que su subcultura era más rural que urbana, pues su vida se había desarrollado siempre a todo campo en las orillas del río Aconcagua, y entonces muchos de ellos se negaron al traslado, aunque los esperaba un departamento pequeño con piso de cemento y baño con ducha, a cambio de sus casas amplias de fonolita con piso de tierra. Entonces, cuando veo que las cosas en este país y en el mundo globalizado de hoy no van en una dirección que respete los sentidos comunitarios, ni las culturas o subculturas, en ninguno de los planos de nuestra vida, ni considera al otro como un otro digno y válido, sintiéndose superior, cerrando todo sentido democrático en decisiones que debieran ser participativas en esencia, siento que tarde o temprano se van a generar explosiones sociales que busquen colocar las cosas en su lugar.

En esto la POBLACION OBRERA es un ejemplo, con todas las contradicciones que ella tiene y que nos puede provocar, porque es un proceso que iniciaron, condujeron y terminaron los propios pobladores en su interacción y transacción con el Estado y la ciudad de Valparaíso. Nosotros tenemos en Chile un personaje interesantísimo que es Humberto Maturana, que nos habla desde la biología, o sea desde la ciencia -una de las diosas de este mundo actual- y nos dice que en el origen de la humanidad los hombres y las mujeres se unieron para la colaboración y la ayuda entre sí, pues en solitario estaban condenados a la extinción, y eso, agrega, es una fuerza biológica impresa en nuestra naturaleza humana, relacionada con el amor. Entonces, dicha fuerza básica hay que tomarla en serio, reconociendo la necesidad de promover los procesos de colaboración y de solidaridad entre los seres humanos, y no la competencia que nos separa, divide y aísla, para beneficio de los depredadores de esta selva que nos mata y aplasta con su egoísmo, mezquindad y monstruosa maldad. “¿Para qué querer más, si antes no teníamos ni baño?”, nos dice la Tía Leo en el documental, el personaje que representa nuestro punto de vista, en respuesta a la pelea por un espacio mayor.

-¿Cómo surgió la idea de hacer esta película?
La idea me nació cuando me acerqué a la POBLACION OBRERA a realizar un breve trabajo audiovisual y me encontré con la información de que iban a desalojar el edificio para restaurarlo, rehabilitarlo y reconstruirlo, lo que les estaba generando grandes tensiones a sus habitantes. Desde ese momento me planteé la posibilidad de documentar todo este proceso, en un trabajo audiovisual de seguimiento y conversé con la directiva de esta comunidad para llevar adelante esta idea, quienes lo discutieron en una asamblea y nos dieron el pase. La población es una comunidad organizada y eran ellos quienes habían detonado el desalojo, dentro de un proceso de toma de decisiones colectivo, elemento que para mi tenía muchísima importancia y valor en la decisión de embarcarnos en un proyecto largo. Era una lucha colectiva, no una dádiva. De allí iniciamos un trabajo de investigación y de búsqueda de los elementos narrativos presentes y potenciales a desarrollar. En aquellos tiempos, entrar al edificio y sentir la vida que allí bullía era incentivo suficiente como para querer realizar un trabajo en dicha locación, repleta de cruces materiales e inmateriales. Cables con ropa, música, conversaciones a la distancia, pasillos, puertas y ventanas que se miraban. Una especie de castillo de otro tiempo en medio del cerro popular más característico de nuestro puerto principal. Marcas por donde se mirara. Mucho tiempo impreso. Texturas por doquier y por supuesto, habitado por una comunidad con una riquísima historia, donde cada uno y una es un personaje en términos cinematográficos. Todo el entrecruce material me pareció el espejo de los entrecruces inmateriales. Una realidad alucinante y cautivante. Cada textura era un signo del pasado. Los pasillos, el patio y las escaleras poseían un peso existencial del cual era imposible abstraerse y eran precisamente los espacios comunes, allí donde sucedía todo, había sucedido y probablemente sucederá. Allí había una vitalidad que quería romper el anonimato. Fue un proceso lento. Un seguimiento de casi tres años, donde los pobladores poco a poco fueron ganando confianza y abriéndose con nosotros, tanto que llego un momento, cuando comenzamos nuestra retirada, en que nos empezaron a echar de menos, al igual que nosotros a ellos y ellas. Una experiencia inolvidable y colectiva que no dejo a nadie indiferente.

Población Obrera se exhibe este miércoles 24 a las 22:30 hrs. y el jueves 25 a las 13:30, en ambas ocasiones en la Sala 3 de Cine Hoyts La Reina.

Competencia Internacional
LA ESPERA (Chile)
Francisca Fuenzalida, directora:

“Nuestra sociedad no es tan conservadora como uno creería”

La ópera prima de Francisca Fuenzalida es la única representante chilena en la Competencia Internacional de SANFIC7. Pone en el tapete el delicado tema del aborto, a través de una pareja casi adolescente que se lanza a esa riesgosa aventura juntos. Y a pesar de lo complejo del tema, sus protagonistas creen que la sociedad chilena está mejor preparada para aceptarlo.

-Es la única película chilena en la Competencia Internacional. ¿Qué genera eso; expectativas, miedos, responsabilidades, ansiedades…?
Es un honor ser la única representante chilena en la Competencia Internacional de SANFIC. Estoy muy ansiosa por saber la respuesta de la gente en el festival. Se la he mostrado a alguna gente más en privado y a todos les gusta mucho y, sobre todo, los deja pensando. Es una película que sorprende por su crudeza, y también porque te hace reflexionar, algo que no se da en todo tipo de cine.

-Hace poco se dijo que en Suiza están empezando a producir un remake de tu película. ¿Cómo te hace sentir eso, considerando la universalidad del tema del aborto?
Eso es una señal de que la película funciona en distintas partes del mundo. La gente quiere ver películas con temas universales pero que reflejen la cultura en la que están inmersas. En ese sentido, “La espera” es una combinación de ambas.

-¿Cómo se trabaja en cine un tema que es tabú en una sociedad particularmente conservadora como la chilena?
Yo trabajé con total libertad, jamás se me pasó por la cabeza la censura. Finalmente, esta película no es explícita ni gráfica; es una experiencia emocional. Una película visceral que provoca reacciones viscerales entre quienes la ven. Y claramente es una película de su época, es en este momento que hay leyes tratando de ser promulgadas y el tema tiene eco en la sociedad, que no es tan conservadora como uno creería.

La espera se exhibe este miércoles 24 a las 22:30 hrs. y el jueves 25 en la Sala 14 a las 20:30 hrs., en ambas ocasiones en la Sala 14 en Cine Hoyts La Reina.

Cerca de 500 personas se reunieron a las afueras del GAM, donde el pasado domingo, el actor, productor y director español, Santiago Segura, se reuniría con su público. Frase nunca mejor empleada, pues la gran cantidad de gente que llegó escapa de la descripción del público regular de festivales de cine; eran quienes han seguido su carrera en el circuito de culto, consiguiendo copias de las películas en la medida de lo posible, ya que ninguna de ellas (salvo aquellas dirigidas por Álex de la Iglesia) ha sido estrenada comercialmente en Chile. Segura terminó teniendo en Chile más fanáticos de lo que él mismo esperaba.

Con la sala A1 del GAM repleta -unas 200 personas quedaron afuera-, Segura subió al escenario acompañado de su amigo, el director chileno Nicolás López, y Gabriela Sandoval, directora de producción artística de SANFIC. Luego de un video introductorio con algunos momentos célebres de la filmografía de Segura, se dio inicio a la conversación. “Santiago hacía la comedia extrema que ahora está de moda en Hollywood a principios de los 90’”, acotó Nicolás López, a lo que Segura contestó “soy un visionario, qué puedo decir”. Él anfitrión repasó los inicios de su carrera, haciendo cortos en Super8 y programas para la televisión valenciana. “Hice un corto de terror realmente terrible, pero cuando la gente lo veía, se reía. Ahí me dije que esto es la mío: la comedia”.

Segura tiene conciencia de lo que hace. Sabe que lo suyo es entretener, el género y la mixtura entre ellos. “El cine de género en España funciona ahora porque se ha liberado de sus complejos, de querer hacer cosas nunca antes hechas, de ser especiales, de buscar algo único. Acá, en Chile, quizás todavía no ocurre eso”. Lo que no quiere decir que ese cine sea menos original. Segura es muy crítico con el entretenimiento hollywoodense que prefiere gastar más dinero en efectos y explosiones antes que en buenas historias. “Nosotros podemos suplir los grandes presupuestos con talento”, refiriéndose no solo a España, sino a todas las cinematografías satélites de Hollywood.

Con el paso del tiempo, el público se fascina con el despliegue del español. En un momento se puso de pie y comenzó a caminar por el escenario como si fuera un telepredicador. “La vida real es tan desagradable que en la pantalla grande, al verla uno se ríe. Es como una expiación”, explicó cuando intenta entender el éxito de un personaje tan desagradable como Torrente.
Aprovechó también de dar algunos consejos a la buena cantidad de jóvenes directores “frikis” (como ellos mismos se reconocen). “Nadie te quiere financiar si no te reconocen. Hay que darse a conocer. Cualquier friki puede llamar la atención”, dice, y añade que “lo que realmente importa es la idea, y hay que hacer, hacer, hacer” y que “hay que poner la cámara donde mejor se entienda lo que está pasando, ya sabes amigo”, le dice a López.

Dedicó también un par de palabras a los conflictos sociales que ocurren en España y en Chile. Repitió el apoyo a los estudiantes (lleva una chapita en la camisa de “No + Lucro”) y dijo que “su protesta es tan digna y razonable que no entiendo que el gobierno no los acoja. La juventud que no es revolucionaria no la entiendo”.

Segura terminó su “teleprédica” diciendo que “la única forma de ver la vida es con humor. La vida es una broma cósmica: tiene muy poco sentido y acaba mal. Es tan terrible que si no me río…”

Ante las movilizaciones y el paro nacional convocado para este miércoles y jueves, SANFIC informa que las funciones en salas se realizarán tal como estaban programadas, mientras las actividades especiales también continuarán desarrollándose de acuerdo a lo programado y en la medida de lo posible, partiendo por la mesa redonda Estrategias y Perspectivas del Cortometraje, en el GAM a las 11:30.

En cuanto a las funciones de SANFIC en tu Comuna, la programación del miércoles en Estación Central no sufrirá ninguna modificación, pero en el caso de las exhibiciones programadas en La Pintana para el jueves, éstas han sido canceladas por disposición de la municipalidad, por lo que el jueves y viernes las funciones serán dos días seguidos en la comuna de Las Condes.

“Hay que evitar la simplificación de lo complejo”

Ante un atento público, el director israelí Amos Gitai, uno de los invitados especiales de SANFIC7, realizó una Master Class el pasado sábado 20 en el GAM, en la que aprovechó de compartir experiencias y perspectivas sobre su trayectoria cinematográfica y la forma de hacer cine, haciendo mención especial de las dificultades que surgen de provenir de una región llena de conflictos bélicos.

Precisamente, la clase partió con dos fragmentos de sus películas “Kedma” y “Promised Land” -ninguna de las dos incluidas en la retrospectiva programada por SANFIC 7- que reflejaban distintas realidades en Medio Oriente, en este caso, la guerra y el tráfico de blancas.

“En Jerusalén hay más cámaras por metro cuadrado que en cualquier otro lugar en el mundo”, dice, “y existe una sobre-significación de los medios de prensa sobre el conflicto en Medio Oriente. Hay que evitar la sobre-simplificación de un conflicto complejo”, explica, lo que ayuda a entender su estilo particular de hacer películas, abundante en planos-secuencias y coreografía dramática, además de actuaciones estilizadas y a ratos teatrales; “existe tanto material audiovisual simplista sobre el conflicto, que es necesario buscar una alternativa para narrar ese conflicto, una que no reduzca la complejidad de lo que realmente se vive, o también como una forma de subsistir frente a esa misma complejidad”.

De profesión arquitecto, empezó a hacer películas por una mezcla de suerte y necesidad, tanto laboral como expresiva. “Quería mostrar la realidad que estábamos viviendo, y la arquitectura era muy formal”. Defiende su forma de ver las cosas y de hacer cine, a pesar de que le ha valido bastantes críticas en su país de origen, debido a la franqueza con que retrata el actuar bélico de los sucesivos gobiernos de Israel. Ante la crítica, Gitai afirma que “si un país tiene el estómago para aguantar este tipo de relatos, entonces está preparado para avanzar”.

Reconoce, sin embargo, que a veces puede ser osado y que esto le puede traer consecuencias: “Me interesa la política. Creo en la libertad de expresión. Si yo hubiese hecho cine en Chile en la época de Pinochet, me habrían disparado”.

Para Gitai “el cine no es sólo un problema de temáticas, sino también de formas”, por lo que no se satisface solamente con poner en el tapete ciertos temas, sino además busca las formas cinematográficas adecuadas para tratar esos temas con la profundidad que él busca darles, aunque sin necesariamente emitir una opinión o un juicio de valor al respecto, al contrario, darle de qué pensar al espectador. “Al espectador le gustan las películas que realmente comienzan cuando termina la proyección”.

En los días restantes del festival, SANFIC7 continuará exhibiendo las películas que integran la retrospectiva de siete títulos que abordan la filmografía de Amos Gitai, ayudando a difundir su atractiva obra en nuestro país.